高橋宏治の企画は、レクチャーをシアター的な仕掛けのなかで扱って、一種のオペラ的空間を作るというもの（多分）。こうした作品では一種の「自己言及性」「相互浸透性」が重要になってくるが、本企画はそのツボをきちんと心得ている点で抜きんでていた。これまで培ってきた経験を活かすのはもちろんだが、さらに次の段階へのチャレンジを期待したい。一方、北爪裕道の企画は、ピアノ一台から可能な限り多彩な音響を導こうとする「拡張ピアノ」を軸に据えたもの。一見すると特殊奏法の延長線上にありながら、しかし大勢でよってたかってピアノを蹂躙することによって、次元の異なる世界が展開されるはず。この作曲家の美点であり欠点でもある「お行儀良さ」を越えられるかが鍵だと思う。

他にもいくつか面白い企画があったのだが（とりわけ、ダンサーに楽譜が与えられ、演奏者に振り付けが与えられるという企画）、最終的にその質に確信が持てず採択に至らなかった。応募者にはぜひ、できる限り具体的なかたちで企画を提示してほしい。

実は、最終的に２つの企画を選ぶ際に、われわれのなかでは若干の躊躇と議論があった。というのも、結果として、２組ともいわゆる「現代音楽」の作曲家による企画になってしまったからである。「紅葉坂プロジェクト」は古楽であろうがクラシックであろうが、あるいはポップスであろうが、対象を限定するものではない。単に「現代音楽」の催しと思われてしまうと少し困るので、来年はぜひ、さらに柔軟で幅広い企画の応募を望みたい。

クラシック・プレーヤーは、いにしえの作品にリスペクトがあり、そこに優位性こそ認めているであろう。実際の演奏では、原典至上主義台頭の波を受けて以来、既に存在しない作曲家の意向に沿わんと、学問的に正統性を求める傾向が過剰になってきた。ここには、近い将来、断じて風穴を開けなければならない。そんな中、北爪氏の企画は私にとって象徴的であった。私の印象では、音楽神が作者と通じた瞬間の「道のり」のようなところを模索しているように思えた。これは全ての者に必要な姿勢だと感じるのである。更に、電気楽器を使わずにアコースティック楽器の特殊奏法に徹しているところも、前述のポリシーとリンクするような気がする。演奏もハイレヴェルなものが期待される。 もう一つ選出されたのは、高橋氏の企画で、彼の素晴らしい才能は既に関知しており、以前、実演も拝聴（見）させてもらった。私自身ものめり込んでいる「オペラ」という分野をどのように発展させてくれるかの期待感が高い。そして、こちらも高水準のパフォーマンスであることは間違いない。 他にも優れた企画が多数応募された。特に良かったのは、フルート＆ダンスの企画で、私の好きなフリージャズ・グループをちょっと彷彿とさせるような、本当に上質で面白く、演奏も大変素晴らしかった。 また、トロンボーンをはじめ、楽器の限界に挑戦したものもあった。このような特殊奏法を常に極めようとする行為は素晴らしいと思う。 選出には演奏というより企画、そして作品が重視される面が強いので致し方ないが、今回、演奏面では秀逸なサウンドが多数聞かれた。

『音楽を聴く』(仮)

ベートーヴェンの《英雄》や《田園》を聴くよりも、路面電車、自動車の、エンジン、騒々しい群衆が出しているような新たなタイプの音に向かうべきと言い放ったイタリアの未来派芸術家ルイージ・ルッソロの預言のとおり、気がつくと私たちの耳は、フリージャズやアンダーグラウンドなロックの文脈において発生したノイズ、DJ/クラブミュージックが牽引した音響という音圧と音質のサウンドをも「音楽」とみなしている。

音楽の境界は何か?　どこまでが音楽と言えるのか?　という問いかけは、本質的には非常に興味深く、面白い問題であって、今回の公演はそこのところに、レクチャーという「語り」をオリジナルな台本とともに据え置いたことに興味を持った。

企画者が意識したかどうかはわからないが、スマホ時代に急速に日常生活に入ってきたのがこのレクチャー(説明)という手法。「わからないことがあったら、すぐに意味をスマホで調べる」という、理解に対しての強迫観念は、今、そしてこれから、果たして「音楽」というそれ自体は意味を持たないものの聴き方をどう変化させていくのか?　という問いでもある。

「語り」はそもそも物語や意味を伝えるものだが、その一方で、発語と発声という意味を超えたところのサウンドそのものでもある。ちなみに、文楽における義太夫、ラップはナラティヴといういう機能を果たしながらも、前者は三味線、後者はバックトラックという音楽に侵食する存在で、そのスタイルは大衆芸能の厳しい世界で洗練を極めた。つまり、あらかじめ今回の企画意図に対しての回答は存在している、という点を押さえておきたい。

果たして、今回の語られる台本とそのレクチャーの語り口には、どんなクリエイティヴが施されているのかを見てみたい。そして、この企画が、日本においては、あまりにもオリジナルな表現の土壌が脆弱なオペラのひとつの突破口になってほしいとの期待をも込めている。

Ravel Unveiled

拡張ピアノ奏法は、ピアノをピアノ自身から解放して新しい命を与える、といっていいほど魅力的なものであり、現代音楽の象徴的存在だが、それをあえて現在に、再提出しようとすることに面白さを感じた。

そう、ピアノという楽器は、クラシックの象徴であり、代名詞。減衰する音の問題はあるにせよ、鍵盤を駆使した和音の可能性、リズムや音量の自由度などで、表現力に関してはお墨付き、というのが定説だが、その一方で、その音色自体が膨大な過去の音楽コンテンツの蓄積のせいで、イメージが固定化。何を表現してもピアノワールドに回収されてしまう、因果な楽器でもある。

また、ご存じの通り、ピアノはリストの例にもれず、超絶技巧が大衆の心をつかむ楽器であり、コンクールにおいての優勝者ヒエラルキーは、まるでスポーツのオリンピックのよう(実際、近年のショパンコンクールの入賞者たちが我が国にもたらした、クラシック音楽熱は記憶に新しい)。冷静に考えれば、音楽性や芸術性とは全く関係ないポピュリズムが、ピアノという表現には常につきまとっているのだ。

企画者は、ラヴェルの『ラ・ヴァルス』のピアノ版に、オーケストラでは可能な豊かな表現が限定されてしまうことにもどかしさを感じたことが、企画のモチーフとなったというが、その解答が、そもそもサウンド自体から自由なクリエイションが可能な電子音楽ではなく(冨田勲のクラシック音楽に対するアプローチはそれ)、拡張ピアノ奏法方面にいく、という思考自体が、良くも悪くもピアノという楽器から自由になることができないクラシック音楽に対する開き直った批評であり、今回の企画が現実的に演奏されるときの、爆発ぶりに期待が持てる。

ということを踏まえての、2025年における拡張ピアノの響きは、その黎明期にあったはずのアンチテーゼやオルタナティヴといった異端、風変わりな感触ではない、もっと骨太で確信的な音楽として立ち現れてくるような期待感がある。